"La Odisea" (2026), de Christopher Nolan

 

He visto en el cine La Odisea de Christopher Nolan, que cumplió con el entretenimiento previsto pese a las casi tres horas de metraje, y que en su parte final lanza un mensaje que se antoja muy contemporáneo, tal vez no antibelicista pero sí anti-imperialista. Odiseo se siente culpable por lo de Troya, lo califica de un error. «Vivíamos en un mundo de palacios y comercio, de palabras, ciegos a su belleza, hasta que lo destruimos». Se responsabiliza de esa hecatombe, algo que puede leerse en clave actual y planetaria (la crisis medioambiental) o geopolítica (la deriva bélica y la creciente oscuridad de los tiempos), como posicionamiento contra los señores de la guerra. El imperio parece concienciarse de que el bárbaro puede no tratarse de una amenaza externa, sino de la misma imagen que le devuelve el espejo. En un momento dado, Odiseo llega a decir que la mejor visión es siempre desde abajo, lo cual podría interpretarse casi como socialdemócrata o incluso marxista. Y se insiste en la importancia de la hospitalidad hacia los forasteros. No me extraña, por tanto, que al hombre más rico del mundo no le haya agradado la adaptación (a la que acusa de «profanar» a Homero). Este magnate ha trabajado durante unos meses para el gobierno de Estados Unidos, comandado por un personaje al que algunos comparan con Heliogábalo. La escritora Irene Vallejo citaba a Séneca, que ya en el siglo I destacaba que lo importante «en la obra artística es lo que te dice a ti ahora mismo sobre tu odisea personal, sobre “las tempestades del alma que nos sacuden cada día”». Christopher Nolan no parece ajeno a este comentario y cuela entre líneas un mensaje sobre nuestro tiempo.

 

Se aprecian, eso sí, notables diferencias con versiones anteriores y el texto que nos ha llegado. La argucia de «Nadie» con el cíclope aquí no existe, Helena de Troya y Clitemnestra son negras, supongo que por los cupos de diversidad racial imperantes de un tiempo a esta parte en el cine yanqui. La actriz que interpreta a la mujer de Menelao, y esto da cuenta del retroceso de los tiempos, ha reconocido en una entrevista que cuando el guion llegó a sus manos ella, toda una graduada en Yale, carecía de ningún conocimiento previo de qué cosa era La Odisea. La personificación de los dioses y su presencia humana se reducen al mínimo. La ninfa Calipso, negra y de belleza despampanante en la versión que conocía por la televisión (la de 1997 de Konchalovsky), aquí es interpretada por Charlize Theron, tratándose de la cual (comentaba un señor a la salida del cine) no le extrañaba que Odiseo pasase tanto tiempo con ella. Pero el erotismo de Calipso en la de Konchalovsky aquí no concurre, y se sustituye por una belleza madura y recatada cuyo ofrecimiento de inmortalidad también se diluye en la versión de Nolan. El carácter de Odiseo, además, se antoja diferente al que recordábamos (uno leyó el libro allá por 2002), más imperfecto, vanidoso, embaucador, pícaro. Dista aquí de aquel héroe astuto, «fecundo en ardides». 

 

Por descontado, me alegro de que el clásico heleno cobre actualidad y vuelva a impregnarse en la memoria y la imaginación de las nuevas generaciones. Distintas ediciones de la Odisea se han colado en las listas de libros más vendidos este verano, a raíz del éxito de la película. En este Hollywood tan dado a la secuela y el remake, mucho ha tardado en llegar una nueva adaptación de la epopeya homérica.

 

(Texto de agosto de 2026). 

Eleni (2004), de Theo Angelopoulos

 

   Casi veinte años después, he vuelto a ver Eleni, la película de Theo Angelopoulos. Hay una condición eminentemente pictórica en sus primorosos fotogramas. Muchos de sus planos se antojan cuadros pintados por los grandes. En ese sibaritismo estético se advierte la presencia de Brueghel, de Rembrandt, de Hammershøi, de Edward Hopper. Hay encuadres donde uno atisba a Antonio López o a Cristóbal Toral. Se padece cierto síndrome de Stendhal durante la proyección de una obra que se contempla a menudo como quien pasea por una pinacoteca. Qué excelencia artística, qué esmero en tantas de sus imágenes. Despide el filme una serena elegancia solo apreciable, si acaso, desde la madurez del espectador. Cine de sol de invierno, como el amor del poema aquel de un ya provecto Margarit. Una exquisitez que eleva el espíritu hacia lo sublime. Cine lento, reposado, que enervará a más de uno, pero sin duda a contrapelo de los tiempos, que ya Proust en 1922 consideraba acelerados y rápidos. Se antoja esta película una revocación de la contemporaneidad, un elogio de la lentitud, un intento de restauración del ritmo pre-industrial.

Lo mejor de 2024

 -Las uvas de la ira, de John Steinbeck (Alianza).

-Oblómov, de Iván Goncharov (Alba).

-Las muertas, de Jorge Ibargüengoitia (Cátedra).

-La vegetariana, de Han Kang (:Rata_).

-La mancha humana, de Philip Roth (Alfaguara).

-Homo Deus, de Yuval Noah Harari (Debate).

-La muerte de Iván Ilich, de Lev Tolstói (Nórdica). 

-Un artista del hambre, de Franz Kafka (Nórdica).

-Los árboles, de Percival Everett (De Conatus).

-Mendel el de los libros, de Stefan Zweig (Acantilado).

*
 

 -Poesía (2010), de Lee Chang-Dong.

-La favorita (2018), de Yorgos Lanthimos.

-El espíritu de la colmena (1973), de Víctor Erice.

-Breve encuentro (1945), de David Lean. 

-La historia del cine: una odisea (2011), de Mark Cousins.

-Fallen leaves (2023), de Aki Kaurismäki.

-Tarde de perros (1975), de Sidney Lumet.

 

-La noche del cazador (1955), de Charles Laughton.

-Como en un espejo (1961), de Ingmar Bergman.

 

-La estrella azul (2023), de Javier Macipe.

 

"As bestas" (2022), de Rodrigo Sorogoyen

 

 

As bestas es con toda probabilidad la mejor película hasta la fecha de Rodrigo Sorogoyen, uno de los pocos directores españoles del momento con proyección internacional. La película concursó en la sección oficial del Festival de Cannes y obtuvo el César a mejor película extranjera, algo que hasta la fecha apenas había conseguido, entre los cineastas patrios, Pedro Almodóvar.

 

La trama gira en torno a la vida de un pueblo de la Galicia profunda, donde un matrimonio francés se ha establecido y se dedica a la agricultura. Los vecinos tienen una oferta de una empresa energética para instalar molinos con los que generar energía eólica, a cambio de una cantidad de dinero. Muy pocos se oponen a este proyecto, entre otros el matrimonio francés, lo que les genera la enemistad de unos vecinos particularmente cabroncetes. A ellos el dinero de la eléctrica les vendría que ni pintado para realizar algunos sueños, no son malvados sin más (el cuidado guion se cuida de no caer en el maniqueísmo, presenta matices), también tienen sus razones. "En este mundo ocurre una cosa terrible, y es que todo el mundo tiene sus razones", venía a decir un personaje en La regla del juego de Renoir. Esto, por supuesto, no exime de responsabilidad al que atenta contra el código penal, pero aporta complejidad a la historia. El matrimonio francés se lleva bien con la mayoría de los vecinos, no parecen los típicos forasteros que llegan a un lugar a imponer sus normas.

 

En la película tiene lugar una escena de vacile entre el conductor de un coche y un peatón, quién sabe si influenciada por aquella otra que aparecía en El cazador de Michael Cimino (Sorogoyen, bien es cierto, lo lleva más allá). Las interpretaciones, empezando por Luis Zahera y Diego Anido, son estupendas. Para mí el filme plantea un tema que me subyuga: la irrupción irreversible de la violencia en las vidas de la gente de a pie que trata de vivir tranquila sin meterse en problemas. "Imposible escapar de la violencia", escribió Roberto Bolaño. El dilema de si huir a otra parte o arrostrarla, y la posibilidad -alcanzable o no- de mantener la integridad en todo el proceso (pese al drama, pese al dolor), que nos haga mantener el grado de civilización o de humanidad que pueda haber en nosotros.

 

Este párrafo puede saltárselo el lector sensible al spoiler, pues lo contiene. Según mi interpretación, a buen seguro errada pero expuesta en el párrafo anterior, el auténtico final de la película tiene lugar cuando la mujer del francés le dice a la madre de los vecinos que se va a quedar sola, que las dos van a estar solas y que allí está ella por si necesita algo. La francesa, que tendría todos los motivos para lo contrario, ha mantenido (en este proceso extremo de violencia y de pérdida) su humanidad. El final abierto, por lo tanto, no es gratuito porque cómo se resuelva el caso, aunque se deja intuir, no importa tanto como lo primero.

 

Fui a verla al cine. No pisaba una sala desde febrero de 2020, cuando acudí a ver Parásitos. Creo que desde la infancia no había pasado tres años sin ir al cine. En ello influyen la maldita pandemia, las plataformas y el hecho de tener que coger el coche y hacer kilómetros, por vivir en la España rural. En la cola, ante un póster donde aparecía Adam Driver, una joven exclamó: "y el pesado este, ¿qué va a salir ahora, en todas las películas?".

 

Puede que también te interese:

Stockholm (2013), de Rodrigo Sorogoyen.

5 películas sobre la situación de la mujer en el mundo árabe

 

1.-Buda explotó por vergüenza (2007), de Hana Makhmalbaf

 

Niños que juegan a talibanes contra americanos y, como eje temático, el derecho de las niñas de Afganistán a ir a la escuela, reivindicado entre otras por la Premio Nobel de la Paz Malala Yousafzai. Notable película que la iraní Hana Makhmalbaf (hermana de la también cineasta Samira Makhmalbaf e hijas ambas de Mohsen Makhmalbaf, uno de los referentes del pujante cine iraní) estrenó con apenas diecinueve años. En la fecha de preparación de esta entrada, la película puede verse en YouTube.

 

2.-El círculo (2000), de Jafar Panahi

 

Va creciendo conforme transcurre su metraje esta película que pone el foco, de forma sucesiva y encadenada -y de forma crítica con una sociedad eminentemente patriarcal- en la vida de varias mujeres iraníes en distintas situaciones de dificultad (deseo de abortar, reciente excarcelación, posibilidad de ser repudiada tras haber dado a luz una niña, cuando se esperaba un niño). Esta película de Jafar Panahi obtuvo el León de Oro y el Premio de la Crítica Internacional en Venecia. Puede verse en Filmin.

 

3.-La bicicleta verde (2012), de Haifaa Al-Mansour

Una niña de Arabia Saudí tiene ganas de conducir una bicicleta en una sociedad que no le permite tener una, pues se considera un juguete eminentemente masculino. Primera película rodada por una mujer en toda la historia de Arabia Saudí, según apuntan en Filmin.

 

4.-El pan de la guerra (2017), de Nora Twomey

 

Ante el encarcelamiento arbitrario de un padre de familia, y dadas las prohibiciones en Kabul para las mujeres -como la de salir a ganar dinero-, la familia decide disfrazar de niño a Parvana, una chica de once años. Nominada en los Oscar a mejor película de animación. Disponible en Netflix.

 

5.- Mustang (2015), de Deniz Gamze Ergüven 

 

Ópera prima de la directora turco-francesa Deniz Gamze Ergüven, Mustang nos acerca a la vida de cinco hermanas en un pequeño pueblo de Turquía. Disponible en Filmin, RakutenTV y otras.

"An Elephant Sitting Still" (2018), de Hu Bo

 

An Elephant Sitting Still (traducida a veces como Un elefante sentado y quieto) es la primera y única película del cineasta chino Hu Bo, que se quitó la vida con 29 años apenas terminó el filme. Según el testimonio no sé si acreditado de Wikipedia, en la decisión del suicidio tuvieron que ver los conflictos con los productores de la película, que querían que Hu Bo acortara a dos horas el metraje de la película, que dura el doble. El año de su muerte, 2017, vieron la luz dos novelas suyas, en una de las cuales se basa para esta gran película estrenada en 2018 de forma póstuma. Que la historia se sostuviera antes sobre el papel acaso dote al producto audiovisual de una solidez en la urdimbre narrativa y emocional que nadie mejor que Hu Bo, por otra parte, habría conseguido trasladar al celuloide.

 

La primera hora de película se antoja una cartografía del desamparo: adolescentes con problemas que sufren al matón del instituto, un anciano al que quieren meter en una residencia sin su aquiesciencia, un marido que descubre a su mujer acostándose con su mejor amigo... El hecho de conocer que Béla Tarr, el aclamado director húngaro, fue mentor de Hu Bo, podía llevarnos a pensar en que la propuesta del director chino tendría poca acción; sin embargo, en An Elephant Sitting Still pasan muchas cosas. El cine del húngaro, primoroso y en ocasiones plomizo, ha dado por otra parte grandes resultados, como en Armonías de Werckmeister, adaptación de la novela de su compatriota y candidato al Nobel de Literatura Laszlo Krasznahorkai. El libro se titulaba Melancolía de la resistencia y no tengo problema en confesar que lo abandoné por la mitad, incapaz de entrar en la propuesta. La adaptación de Béla Tarr, en cambio, sí la he visto en algunos listados de lo mejor del séptimo arte en lo que va de siglo XXI, y me he alegrado de ello. A Hu Bo creo que llegué a través de David Pérez Vega, que en su Facebook y en YouTube la recomendó (de justicia es mencionarlo). Está disponible en Filmin.

 

La película diría que funciona como drama existencialista, de conclusiones devastadoras acerca de cómo somos las personas y el mundo que nos hemos dado, con momentos muy humanos dentro de una historia de frustración, venganza, humillaciones, conflicto. Se dan momentos de inesperada comunión entre personajes antagónicos. El peso de la vida se intuye en las miradas. Lo que en un principio parecen historias paralelas acaban confluyendo y todo queda interconectado. Al final, uno de los protagonistas pretende escapar, y otro, mayor que él, le advierte: "podéis ir adonde queráis, da igual el lugar. Cuando lleguéis todo seguirá igual". El drama ya lo dictaminó Campoamor con aquellos versos: "cambiar de destino no es sino cambiar de dolor" (cito de memoria y, probablemente, con inexactitud). Hay en varios personajes de la película una conciencia de la fatalidad, de que todo se echó a perder y no hay remedio, un pesimismo profundo no exento de desconfianza hacia el género humano. El estilo narrativo tira de planos secuencia, si bien en cada escena, no a lo largo de toda la cinta como en Birdman de Iñárritu o La soga de Hitchcock. El título alude a una historia que ha llegado a oídos de varios personajes, según la cual en Manzhouli -ciudad del noreste chino- hay un elefante que se pasa el día sentado y quieto. A pesar de que los visitantes del zoo le tiran comida, el animal se muestra impasible y no reacciona. Se trata de un relato que ejerce fascinación en los personajes, alguno de los cuales piensa en ir a verlo. Hay quien habla a raíz de esto de una alegoría con el país de China, "el gigante dormido". Yo lo asocié más bien a la vena hastiada y depresiva de la película, una inacción al estilo del absurdo de Beckett en Esperando a Godot.

Una película estupenda que entrará, me parece, en mi lista habitual de lo mejor del año. Primeriza y a un tiempo magistral. 

 

Películas a vuelapluma (2)

Petra (2018), de Jaime Rosales. Resulta incomprensible que no obtuviera ninguna nominación a los Goya. Magnífico reparto con Bárbara Lennie, Álex Brendemühl, Petra Martínez, Marisa Paredes y el descubrimiento de Joan Botey, que interpreta a un artista encumbrado, frío y perverso. Historia trágica bien contada, que rompe con la linealidad narrativa. Secretos, mentiras y maldades en un entorno campestre. Por momentos me han venido a la memoria las historias de Thomas Bernhard. La cámara se distancia mientras los personajes dialogan de temas cruciales (no cae en el melodrama, pero se trata de un recurso de estilo que a algunos puede parecerles formalmente frío). Muy buena. La mejor película de Jaime Rosales, para mi gusto.

Historias del Kronen (1995), de Montxo Armendáriz. Sexo, drogas, rock y conducción kamikaze en una película insustancial protagonizada por un joven gamberro, asimismo, totalmente insustancial. No le veo el trasfondo, el chiste, a este retrato de la juventud. ¿Ha envejecido mal o en los noventa ya era un bodrio? En En el camino de Jack Kerouac esas conductas podían enmarcarse en un panorama menos vacuo; aquí no hay redención imaginable para una historia insulsa que juega todas sus bazas a la yuxtaposición de excesos. Esta sí ganó un Goya.

El dilema de las redes (2020), de Jeff Orlowski. Se antoja un documental de necesario visionado en estos tiempos distópicos en que las grandes empresas tecnológicas han acaparado un poder sin precedentes. De cómo fomentan nuestra adicción al chupete digital de las pantallas para acumular beneficios e información sobre nosotros hasta el punto de predecir nuestras acciones o saber cómo nos sentimos en cada momento. De cómo las redes expanden la desinformación más rápido que las noticias reales y esto puede utilizarse para manipularnos, desestabilizar países y polarizar la sociedad, volviéndonos más extremistas, sacando lo peor de las personas. Siendo pesimistas, tal vez hayamos llegado a un punto de no retorno en el que los nacidos antes de los noventa seamos los últimos en haber crecido sin la omnipresencia de las pantallas y de internet, los últimos en haber conocido un mundo ya extinto. Produce pavor imaginar hasta qué punto la inteligencia artificial podría llegar a manejarnos como a zombis teledirigidos. 

"Diario" (1983), de David Perlov

El Diario de David Perlov forma parte de ese iceberg de cine invisible -o minoritario, al menos- que subyace y a menudo tanto me interesa, y que en este caso ha emergido merced a una recomendación de Jonás Trueba y Andrés Trapiello. Siguen algunas anotaciones deslavazadas después de ver en los últimos días las seis partes de que se compone, de unos cincuenta y cinco minutos cada una, que suman un metraje de cinco horas y media.

Todo comienza cuando Perlov se compra una cámara de 16 mm y, algo cansado del cine convencional, decide filmar su cotidianidad. Perlov da clases en la universidad, vive en Tel-Aviv con su mujer (Mira) y sus dos hijas mellizas (Yael y Naomi). Nacido en Brasil, de joven vivió en París, lo cual nos habla de mestizaje y cosmopolitismo. Murió David Perlov en 2003. 

Comienza a producir entonces un cine calificado de experimental, amateur, se diría, en el que no escasean -más bien al principio- los titubeos en la cámara y una estética fotográfica de película casera. Conforme el diario avanza, se aprecia un pulso más firme, así como mayor interés y contenido en lo narrado, un caldo más enriquecido. Las dos partes finales me resultan las más estimulantes. En la última, Perlov regresa al São Paulo de su adolescencia y al Río de Janeiro natal. Si hasta entonces nos había ofrecido mucha vida cotidiana, reflexión y observación, ahora nos brinda una narración evocadora, plena de recuerdos, de reencuentros con personas que significaron algo en su vida en el pasado. El capital humano, sentimental y lírico de esta parte me parece superior a las demás.

La cronología del diario abarca de 1973 a 1983. Perlov ejerce de narrador, valiéndose de un tono sobrio, monocorde, sin apenas énfasis. Unas veces en inglés, otras en hebreo. Contrasta con esa sobriedad el carácter de sus hijas, muy vivaces, espontáneas, de una gran alegría y desparpajo. Me ha gustado mucho un momento de la segunda parte, en el que Yael cuenta cómo su novio la ha engañado con otra y no se ha atrevido a decirlo cara a cara, sino que lo ha hecho por carta.

En los distintos episodios tienen lugar algunos viajes (Brasil, París, Lisboa, Londres, Creta, Ámsterdam), un par de operaciones quirúrgicas tras un accidente, alguna contienda militar (la Guerra del Líbano de 1982) contra la que el cineasta se manifiesta y de la que, preguntado en plena calle, Perlov reconoce con franqueza que no sabe qué decir. Me recordó a cuando, en esta pandemia que aún no hemos superado, a la escritora Mariana Enríquez se le preguntaba por su opinión y sus reflexiones sobre lo que estaba pasando y ella se limitaba a reconocer su desconcierto, como cualquier otra persona común. También se da profusa cuenta de la vida observada en las calles, ya sea a pie o desde la ventanilla de algún coche.

"Estos diarios son mi cédula de identidad", escribió Perlov. Aunque de resultado dispar, sin duda ha merecido la pena conocerlos, y creo que en el futuro volveré a ellos.

Películas a vuelapluma

El muelle de las brumas (1938), de Marcel Carné. Película francesa enclavada en el género del realismo poético, en el que he de incursionar más y al que también pertenece esa joya que es L'Atalante de Jean Vigo. En ésta encontramos a un desertor del ejército y una huérfana, ambos marcados por su pasado, un pasado que enturbia y encallece la mirada de él (Jean Gabin), pero que, siéndolo desgraciado, deja incólume la de ella (Michèle Morgan). Borrachos, mafiosetes... Los márgenes de la sociedad. A un asesino -curioso- le gusta la música sacra. Corre entre ellos un perrete conmoviendo, aunque no llegue a los extremos de Umberto D de Vittorio de Sica. "La niebla está aquí dentro", viene a decir, señalándose la sien, el protagonista. Muy buena. Mejor en versión original.

El bosque animado (1987), de José Luis Cuerda. Sólida película con guión del gran Rafael Azcona. De una excentricidad más contenida que Amanece, que no es poco, con más narratividad y mejor factura visual (Aguirresarobe firma la fotografía). Humor y drama de la pobreza en los pueblos de España, con personajes que, según avanza el metraje, acaban enterneciendo. Memorable Landa en el papel de Fendetestas, ese bandido bonachón y algo ridículo que se pirra por un poco de tabaco. Reparto con grandes nombres del cine español. Adaptación de una novela de Wenceslao Fernández Flórez. Ganó cinco goyas, incluido el de mejor película.

Una mujer bajo la influencia (1974), de John Cassavetes. Una de las películas más desconcertantes que he visto en años, no puedo decir que me haya gustado. Sale Peter Falk, el de Colombo, y sobre todo Gena Rowlands, pareja del director, con un papel más protagónico. Un matrimonio de clase trabajadora, con hijos y una mujer con problemas mentales, bastante desequilibrada. El padre, bruto y primitivo, tampoco es que esté muy fino. Hogar ¿desestructurado?, familia ¿disfuncional? Comienza desagradable, aunque a ratos a uno le despierta bastante compasión observar a esta mujer. Hiriente y dolorosa, me dejó algo destrozado. La fotografía, a ratos, parece la de un vídeo casero de hace décadas, un tanto desaliñada. En la onda, diría, de la literatura del realismo sucio.  

"La virgen de agosto", de Jonás Trueba

Qué buen cuerpo dejan las películas de Jonás Trueba. Esta, estrenada el pasado verano, a diferencia de las dos anteriores del director no pude verla en el cine. Como tampoco la tienen en ninguna plataforma online que uno conozca, me informé sobre el lanzamiento en Blu-ray o deuvedé, y vi que salía a la venta el 18 de febrero. La compré ese mismo día en Amazon, con cierto escepticismo pues a pesar de ostentar el distintivo de producto "prime", avisaban de que tardaría en recibirla entre uno y dos meses. Cuarenta días después, me cuentan que se cancela el pedido porque no disponen del producto, que solicité el mismo día de su lanzamiento (tal vez, pienso ahora, debería haber optado por la compra anticipada). Cuento esto porque parece que no es del todo sencillo seguir a Jonás Trueba, del que no suelo perderme una película desde su ópera prima, Todas las canciones hablan de mí (2010). Los ilusos (2013), que para mí es su obra más conseguida, ni siquiera se ha editado -que yo sepa- en deuvedé.

La protagonista de La virgen de agosto (2019) es una joven llamada Eva (nombre edénico) a punto de cumplir 33 años (edad bíblica, en consonancia con el título), que ha sido actriz y ahora atraviesa una etapa de transición -digamos-, que se queda en Madrid cuando todos se marchan, la primera quincena de agosto, con el fin de buscarse un poco a sí misma. En las dos horas de metraje se cruza con viejos amigos, conoce a gente nueva, acude a algún museo, frecuenta alguna verbena, se queda absorta pensando en las musarañas.

La película tiene aire de -buen- cine francés, y sus detractores la tachan -me parece-, con cierta inquina, de producto para pijos urbanitas (aunque a mí me gusta y vivo en un pueblo de menos de dos mil habitantes, no sé si debería sentirme culpable). Diría que La virgen de agosto ofrece de la vida una visión sublimada, despojada de elementos indeseables que la contaminan, y que esto la hace un poco menos verosímil. Lo cual no es óbice para su disfrute, en mi opinión. De hecho, me resulta llamativo que la Academia de Cine acostumbre a olvidarse de Jonás Trueba a la hora de las nominaciones a los Goya (encuentro inexplicable que salvo el primero, sus trabajos sean recurrentemente ignorados).

Itsaso Arana, a la que ya conocimos en La reconquista (2016), vuelve a ofrecer una interpretación convincente, natural y muy a flor de piel, en una película reposada, íntima y diría que vitalista, en la que está muy presente la ciudad de Madrid y la belleza y las ganas de vivir que acompañan a las noches de verano. Arana coescribe en esta ocasión el guión junto a su pareja Jonás Trueba. El director, decía un crítico cuyo nombre no recuerdo, relacionándolo con Godard, ha encontrado a su Anna Karina. La acompañan otros actores habituales en las películas del cineasta, como Vito Sanz, Isabelle Stoffel, Francesco Carril o Mikele Urroz.  

Un común denominador del cine de este autor es la música. Suelen tener sus películas como mínimo una actuación, como seña de identidad que comparte con la filmografía de Aki Kaurismäki. Aquí, Soleá Morente; en La reconquista, Rafael Berrio; en Los exiliados románticos, Tulsa; en Los ilusos, El hijo; en Todas las canciones hablan de mí ya no recuerdo, aunque como poco sonaba Franco Battiato.

Una película hermosa, en definitiva. Coincido con los que opinan que es la mejor de Trueba desde Los ilusos. Seguiré atento a sus próximos proyectos.

Las mejores películas de la década: 2010-2019

Seguimos arrastrando la predilección por las listas. 

De lo que he visto hasta la fecha, para mí serían las siguientes:

ESTADOS UNIDOS

-El árbol de la vida (2011), de Terrence Malick

-Nebraska (2013), de Alexander Payne

-Lucky (2017), de John Carroll Lynch

-Take shelter (2011), de Jeff Nichols

-Green Book (2018), de Peter Farrelly

EUROPA

-Ida (2013), de Pawel Pawlikowski

-La caza (2012), de Thomas Vinterberg

-Oslo, 31 de agosto (2011), de Joachim Trier

-La sal de la Tierra (2014), de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
-¡Lumière! Comienza la aventura (2016), de Thierry Fremaux

ESPAÑA

-Los ilusos (2013), de Jonás Trueba

-Transeúntes (2015), de Luis Aller

-La herida (2013), de Fernando Franco
-Guest (2010), de José Luis Guerín

-Balada triste de trompeta (2010), de Álex de la Iglesia

IBEROAMÉRICA

-Relatos salvajes (2014), de Damián Szifrón

-El club (2015), de Pablo Larraín

-El ciudadano ilustre (2016), de Mariano Cohn y Gastón Duprat
-El abrazo de la serpiente (2015), de Ciro Guerra

ASIA

-El viajante (2016), de Asghar Farhadi
-Parásitos (2019), de Bong Joon-ho

-Nader y Simin, una separación (2011), de Asghar Farhadi

"El camino de san Diego", de Carlos Sorín

Es curioso cómo algunos directores acostumbran a emplear actores no profesionales en sus películas y consiguen resultados asombrosos. Es el caso de Carlos Reygadas, el caso de la exitosa Campeones, de Javier Fesser, y también el de Carlos Sorín, cuya filmografía tenía abandonada desde que hace muchos años vi la simpática Historias mínimas. Estos días, y merced a mi suscripción de Filmin, me estoy poniendo al día con el director argentino. He visto Días de pesca en Patagonia, que recuerda al mundo de los relatos de Raymond Carver; El gato desaparece, un thriller psicológico con toques de humor negro, y sobre todo Bombón, el perro -drama realista que me gustó mucho- y El camino de san Diego. Las dos últimas resultan películas muy entrañables, humildes, humanísimas.

En El camino de san Diego (2006) encontramos a un joven trabajador argentino que admira por encima de todo a Maradona (tanto es así que cuando su mujer da a luz, decide llamar a la niña Diega, en honor a su ídolo). Un día, y en esto parece haber algo de misticismo, en el bosque se topa con la raíz de un árbol en la que el muchacho cree ver la fisonomía del Pelusa. Su ilusión es entregársela a Maradona en persona, de modo que emprende un viaje desde su pueblo hasta Buenos Aires, donde el futbolista se halla ingresado en una clínica. A lo largo de ese periplo quijotesco, la gente le va pidiendo que le enseñe la "escultura", y si unos se ríen de él porque no se parece en nada a Maradona, otros lo toman por una talla de madera fidelísima y se la quieren comprar incluso. A veces se diría que quienes son futboleros y tienen fe en ese dios que es el astro argentino, y que como divinidad tiene su propia religión, son los que más admiran la raíz arbórea. El caso es que el muchacho, con una fe inquebrantable y poco medios, poco a poco va haciendo camino. 

Una comedia agradable y esperanzadora que nos reconcilia con el género humano. Destila esperanza. Cine argentino con mucho encanto el de Carlos Sorín, sin duda.